RAIN24021017BCN: Field recording, Barcelona

Rain, Barcelona.

I love rain, I’m sure that you all know that by now. I made this field recording last week from my window while I was working.

The sound of the rain is always beautiful. In this case, it’s interrupted by cars from time to time and you can also hear some construction workers that are restoring a nearby building. I recorded the sound using a Zoom H2n, without external microphones.

About my recordings of rain

I started recording the rain a long time ago, I think that it was in 2009, but I’m not sure. I have an archive of field recordings, most of them from Barcelona, where I live. You can find a lot of these recordings at Archive.

I started recording the rain using a Mini Disc, now I use a portable digital recorder, sometimes with binaural microphones. I like to walk under the rain, so some of the recordings are soundwalks.

I’ve also created some audio mixes for radio and magazines: Framework Radio #503: 2015.03.15 and #562: 2016.07.24, and Siete pronósticos de lluvia, focused on films.

I also have my rainography blog: images, texts, sounds, videos, paintings, and all kind of things related to rain.

Why I love rain

I live in Barcelona, which is not a rainy place, but I was born in Ferrol and I grew up in A Coruña, two cities in north-west Spain, on the Atlantic coast, where it rains a lot. Really, a lot, like 130 days per year. Maybe I just miss that weather, I don’t know.

Some people think that Spain is all the same, all sunny and hot, but that’s not true. Barcelona is a perfect example of that typical Spanish idea, sunny and hot, specially in summer, most people love it, but not me. Sometimes Barcelona is too hot and it’s uncomfortable.

In any case, in Barcelona there’re sometimes really huge storms, and I love that!

Audible Frequency Range

Just a small test, a 20Hz to 20kHz frequency sweep heard as sound and seen as images. Sound and images are the same files saved in two different formats (AIFF and JPG). Images were generated chopping the audio file in very small fragments (the equivalent to one frame) and saving them first as RAW and then as JPG using Audacity and ImageMagick.

Psycho 60/98

WARNING: This film contains flashing images.

“Psycho” (1960) by Alfred Hitchcock and “Psycho” (1998) by Gus Van Sant collide in a frame-by-frame editing that assaults the eyeballs and assassinates the normative consciousness of the viewer. The footage seem to penetrate us, as though it was a knife or a threatening phantasmagorical entity. The fast succession of single frames and extremely short audio files produce afterimages and aftersounds—entoptic and endaural phenomena—creating a film that does not happen on the screen, but in our brain cells.

*Just a technical note for those interested on how things are made, this film consist just of both shower scenes fragmented in frames; the odd frames are the shower scene from the Hitchcock movie and the even frames are the shower scene from the Van Sant remake. No image or sound effects of any kind, just the frames. Sense-destructive cinema, enjoy! :)

I love flashing lights warnings from films and TV shows

Warning: This film contains flashing images and stroboscopic sequences

This one is from A Field in England by Ben Wheatley. I remade the original intertitle that I had because it was a bit small for a HD video.

Due to Violent Content, and Flashing Lights with Strobe Effects, Viewer Discretion Advised

This one is from Hannibal, my favourite TV series ever (it’s from “Takiawase”, season 2 episode 4). The DVD doesn’t include this warning at the beginning of the episode, but it was there when it was broadcasted on TV.

Computer Music Studies

During last month, I spent most of my time making a series of audiovisual pieces entitled Computer Music Studies. The sound, and the title, are by Mikel R. Nieto, who provided me with twenty tracks. This work was made for Nokodek Festival.

The initial idea was to make a series of audiovisual pieces based on digital feedback. That is, using configurations in which the audio output returns to the audio input, generating an internal digital feedback which usually is nonlinear and difficult to control. The sound was generated in an autonomous way using different configurations of the same pattern. (I don’t know which audio software used Mikel, if you’re interested in the sound tracks you should ask him).

The video track is not feedback, but data bending, which I guess could be understood as a kind of digital feedback because it uses a stream of data—in this case audio data—to generate another kind of file—in this case an image file. It’s not feedback, obviously, because I’m not routing the output back as an input, but in certain sense I’m routing the ‘output’ data of one format as an ‘input’ for another. In any case, it’s not generative, it was made frame by frame.

What I did was splitting the audio tracks in fragments of around 41.67 milliseconds—the equivalent to one video frame—using Audacity. I saved all those files as .raw, then I opened them in Photoshop, and I saved them as .jpg. So, what you hear and what you see are exactly the same data.

This video is just one of the twenty pieces, the complete work is around 40 minutes. It can’t be played live, because the data bending part is almost ‘handmade’—the conversion phase is not automatic, it’s painstakingly slow—, so even it was made for a music festival it’s more like a series of films than ‘live cinema’. Machine music for machines.

Adding sound to GIFs

I’m adding sound to some of my Glifcker animated GIFs. This was the first test. Sounds and images are the same files, I just saved all frames as AIFF.

The process is simple, I save each frame as JPG, then as RAW and finally as AIFF, and then I add the sounds to the video.

The synchronization is perfect because what you see and what you hear is exactly the same.

Work in progress: Nonobjective Cinema

Some days ago I discovered this film by Dwinell Grant entitled Color Sequence (1943)—I think that this is just a fragment because the film is supposed to last 3 minutes.

Grant was an illustrator, painter, and animator who in 1940 wrote the following about nonobjective painting, and nonobjective cinema: “(Nonobjectivism) is part of the earth itself … In creating it we do not say something about something else, but rather we produce a rhythm which is part of nature’s rhythm and just as deep and fundamental as a heartbeat, a thunderstorm, the sequence of day and night or the growth of a girl into womanhood … Nature is not something to be commented on, it is something to be.”

Even Color Sequence is not a proper flicker film, some parts of it consist of really quick changes, and it is significantly earlier than Arnulf Rainer (1960), the first flicker film, so it shocked me.

Color Sequence is quite unknown and I love it, so I decided to create a kind of digital relecture of it. In order to do that, I saved all the frames from the original video file that I found on the Internet as JPG, and then I intercalated and disintercalated them, what generates this digital aesthetic.

Nonobjective Cinema

The soundtrack is composed of exactly the same files—I saved the original JPG frames as RAW and then as AIFF—so what you see is what you hear. The final result is this.

The quality of Vimeo compression is really awful for this kind of digital textures, so to watch it properly I recommend you to download the original video file (1018MB, right-click, Save link as).

IV Encuentro sobre Redes Sociales en museos, centros de arte y producción: Intermedia_Redes_Ecosistemas

El viernes me voy con .mediateletipos))) (o al menos con una pequeña parte) al MUSAC al IV Encuentro sobre Redes Sociales en museos, centros de arte y producción: Intermedia_Redes_Ecosistemas. Estaremos el sábado a las 13:00, Kamen Nedev y yo, hablando sobre .mediateletipos))), artesonoro.org, redes aurales y otras cosillas…

«En 2014 se cumplen 10 años de la aparición de la llamada Web 2.0., una lógica evolución de las páginas .com que revolucionó Internet. Es entonces cuando la Red se convierte en un espacio de comunicación, intercambio e interacción, donde el usuario puede gestionar contenidos, establecer relaciones y crear comunidades gracias a las redes sociales y a las accesibles aplicaciones en línea. El usuario, antes mero espectador, se convierte en editor, en conservador y en gestor de sus vídeos y de sus fotografías, en escritor de sus propios posts, etc».

Más información

_blank @ Mutek (Barcelona), 8 March 2014

Next month I’ll be playing at Mutek (Barcelona). Right now I’m preparing the live show and it’s a lot of work as I’m creating the visuals frame by frame! I’m converting each little bit of sound into an image saving it as raw, the result is more or less what you can see in the video.

The original sounds are from a cassette released by Lovethechaos.

Convent de Sant Agustí (Barcelona), 8 March 2014, 20:00.

Standing in the Meeting of Two Eternities

Standing In the Meeting of Two Eternities propone una experiencia audiovisual inmersiva compuesta a partir de hidrofonías (grabaciones subacuáticas), humo y luz. El espacio desdibujado por la niebla y el color evoca la profundidad del mar, así como la frontera entre lo físico y lo etéreo.

Mikel R. Nieto + Blanca Rego (yo misma)

Martes 14 de enero de 2014, 19 h.
MediaEstruch, Sala multimedia 10.
L’Estruch Fàbrica de Creació,
Sant Isidre 142 Sabadell.
Entrada libre.

The Sound Screen: Derivas, espectros

Cuando terminé de hacer el remix The Sound Screen #003, el dedicado al sonido óptico, tenía pensando hacer el siguiente sobre el tema del espectro, o más concretamente del onryō. El onryō (怨霊) es un tipo de espíritu de la mitología japonesa que vuelve al mundo físico en busca de venganza. Normalmente, los onryō son mujeres que vuelven de entre los muertos para vengarse de algún hombre. Las dos películas que tengo pensado utilizar para hacer este remix son Kuroneko (藪の中の黒猫, 1968) y Ugetsu monogatari (雨月物語, 1953).

El concepto de este remix tiene que ver con el tema de la hauntología, que me fascina, tanto a nivel literal como metafórico, pero la idea surgió principalmente porque en Kuroneko hay algunos momentos sonoros muy inquietantes. No obstante, como derivo mucho y me cuesta concentrarme, hace unos días dejé este remix a medias y me puse a hacer otro con Only God Forgives (2013). El caso es que después de unos días dándole vueltas, terminé con algo que me gustaba formalmente, pero no conceptualmente, así que decidí darle un descanso.

Un poco sin querer, empecé un tercer remix con Queen of the Damned, y creo que va a ser este el que termine antes porque me estoy divirtiendo mucho.

Ahora mismo escribiendo este post me estoy dando cuenta de que, casualmente, los tres remixes que tengo a medias son sobre temas hauntológicos y oscuros: espectros, muerte, demonios, vampiros… Igual el día ideal para colgar el que termine antes es Halloween.

LTC016

This is a promo video for the next Lovethechaos release, a cassette in which I’ve been working during the last year. The video was generated from the sound, both things are the same files, so what you see is the same that what you hear.

More about the idea and the process from the promo sheet:

The 186 tracks of this cassette are 186 photographs of cassettes opened as sound. It is not data visualisation or a random connection between image and sound, but a series of JPG files exported as AIFF. That is, a direct digital translation based on the old idea that colour (image) and sound (music) share some similarities that allow the translation of one media into the other. Even it is not possible to save a JPG as AIFF, it is possible to save it as RAW, a digital format compatible with both image and sound editing software. This means that any digital image can be automatically transformed into sound, and vice versa, without carrying out processes of sonification, data visualisation or any other kind of random or arbitrary transformation.

The theory that states than colour/light and sound are intrinsically related comes from Pythagoras and Aristotle, who linked each colour to a specific music interval. Pythagoras linked each creative sphere to a tone, a harmonic interval and a colour, among other things, while Aristotle stated that:

“…these colours [viz. all those based on numerical ratios] as analogous to the sounds that enter into music, and suppose that those involving simple numerical ratios, like the concords in music, may be those generally regarded as most agreeable; as, for example, purple, crimson, and some few such colours, their fewness being due to the same causes which render the concords few. The other compound colours may be those which are not based on numbers. Or it may be that, while all colours whatever [except black and white] are based on numbers, some are regular in this respect, others irregular; and that the latter [though now supposed to be all based on numbers], whenever they are not pure, owe this character to a corresponding impurity in [the arrangement of] their numerical ratios.” On Sense and the Sensible, Aristotle.

These theories were expanded and rectified by many subsequent thinkers, scientists and artists, from Newton — who divided the light spectrum into seven colours, one for each note of the musical scale – to Arcimboldo — who tried to match painting with music.

Most of these theories are based on the fact that both light and sound are types of waves, so it is possible to establish direct analogies based on frequency data. Nevertheless, the range of frequencies in which light and sound coexist is quite limited.

The first practical audiovisual implementations of these theories emerged on the 18th century with devices as the Ocular Harpsichord (1725) by Louis Bertrand Castel, which later derived in instruments such as Clavilux (1919) by Thomas Wilfred and Sarabet (1922) by Mary Hallock-Greenewalt. In any case, the relationships between light and sound established in these instruments were arbitrary, not direct translations. The closest thing that we can find to a direct translation from image to sound are the optical sound experiments of experimental filmmakers such as Norman McLaren, Lis Rhodes and Guy Sherwin.

Before digital sound and analogous sound, motion pictures had an optical soundtrack, that is, the soundtrack was printed directly on the margin of the photographic film. Some artists took advantage of this fact to generate the soundtrack from the film images, instead of using a standard soundtrack, which lead to experiments as Synchromy (1971) by Normal McLaren, Dresden Dynamo (1971) by Lis Rhodes and Railings (1977) by Guy Sherwin, three films in which what you see is exactly the same that what you hear.

Such contemporary experiments were not only made by visual artists, some engineers and musicians built photoelectric instruments, as the ANS Synthesiser (1937-1957) and the Oramics (1957), that synthesised sounds from drawings. Other similar instrument from the digital era is the UPIC by Iannis Xenakis, a compositional tool based on a tablet in which the user draws waveforms and sound envelopes.

The technique used to generate this cassette is based on the same idea that optical sound and visual synthesisers, but it belongs to a recent digital genre called data bending. Data bending (or databending) are a series of methods that allow the transformation of a type of file into another type of file (for example, a sound file into an image file). Even data bending is related with glitch aesthetics, data bending errors are always provoked, they do not happen by chance. However, the result is always unexpected — since the transcodification is automatic or semiautomatic it is impossible to predict its consequences.

El día que descubrí la violencia

Cuando inicié la serie de remixes sonoros de películas titulada The Sound Screen, lo hice sin ninguna idea preconcebida, la única condición era que todo el sonido procediese de películas. Quizás por esta razón la segunda entrega de la serie no se parece en nada a la primera. The Sound Screen #001 (Droolworthy) surge de dos comedias románticas comerciales y termina siendo una pieza experimental, mientras que The Sound Screen #002 (The Day I Discovered Violence) nace de una película independiente un tanto atípica (Bronson de Nicolas Winding Refn), aunque no experimental, para terminar siendo un remix «clásico».

No me planteé en ningún momento ese resultado, al menos no de manera consciente, pero inconscientemente creo que no podría haber concebido nunca un remix sonoro de Bronson sin ciertas canciones que salen en la película, porque no puedo pensar en Bronson sin escuchar en mi cabeza The Electrician de The Walker Brothers o Digital Versicolor de Glass Candy.

Por otro lado, está la pregunta de por qué elegí Bronson. La elección de películas para remezclar viene dada por una atracción subjetiva. No obstante, mientras las dos películas de las que salió Droolworthy simplemente me gustan, Bronson me fascina. Hay películas buenas, películas bien hechas, película entretenidas, películas que me gustan y películas que me hipnotizan profundamente, y Bronson es un agujero negro en el que podría perderme para siempre.

He de confesar que la primera vez que vi Bronson me pareció un poco tediosa, tiene mucha voz en voz y mucho monólogo a cámara, lo que en general no suele atraerme, pero al mismo tiempo tiene algunos momentos tan fascinantes que a los pocos días volví a verla, y cada vez que la veo me engancha más y más. Esto significa que por un lado hacer un remix era fácil porque me sé la película de memoria, pero por otro era complicado porque me gusta demasiado como para estar satisfecha con nada que pudiera hacer con ella.

Cuando empecé a escoger los fragmentos de la película y a editar el remix, lo hice sin un concepto claro, pero al poco tiempo me di cuenta de que solo podía hablar sobre violencia, impotencia, la necesidad de destruir y la mutación de persona a personaje, o leyenda.

Bronson es una persona real, «el preso más violento de Gran Bretaña», y el remix comienza con algo que me parece clave, su cambio de nombre, el paso de persona a personaje. La voz que se escucha inmediatamente después es la del Bronson real (el único fragmento que no procede de la película, sino de los extras del DVD), integrada con la de Hardy, ambos diciendo «Charles Bronson», y seguida de «and all my life I wanted to be famous». La dicotomía múltiple entre persona real, personaje público, personaje interpretado y actor que lo interpreta…

Curiosamente, la primera vez que vi a Tom Hardy pensé en esa dicotomía entre realidad e interpretación. Fue en una comedia bastante olvidable titulada Scenes of a Sexual Nature en la que Hardy hace de postadolescente de extrarradio. Aunque no sale ni diez minutos, en cuanto lo vi pensé: «Este tío o es así de verdad o es un actor como la copa de un pino». No era así de verdad… El Bronson de Hardy es absorbente, embriagador, una mezcla esquizofrénica de furia y ambigüedad. De ahí la idea de mezclar el techno pop gay de Pet Shop Boys con la pelea a puñetazos.

De todas formas, cuando pienso en Hardy/Bronson pienso sobre todo en el plano que más me desconcierta y cautiva de la película; esa mirada al vacío, inmóvil, en silencio, con la chica bailando semidesnuda detrás y Digital Versicolor. Aunque quizás sea solo porque me obsesiona el color azul… y Tom Hardy, vale… y Nicolas Winding Refn, sí, también…

Video teasers for syn3rgy, ket3m’s new ep

Some time ago, Ket3m (Shay Nassi aka Mise En Scene & Tom Kemeny aka Darmock) asked me if I would like to do a promo video for the release of their new ep, entitled syn3rgy. Ket3m involves experiments in minimalism, abstraction and the deconstruction of acoustic mathematical patterns. The ep is yet to be released, but you can listen to one of the tracks in The Wire Tapper 32, included in The Wire 354 August issue.

Ket3m sent me two one-minute excerpts of a couple of tracks and, as I’m obsessed with the relationship between sound and image, I thought that it would be interesting to translate the sounds directly into images. I mean a real transposition, not an arbitrary interpretation. In order to achieve that, I chopped the tracks in very short fragments and I saved all that tiny sound files as jpg to use them as frames. The result are this two videos in which what you see are exactly the same files that what you hear.

Solvitur ambulando

I’ve always loved walking, specially in urban environments, so I’m always thinking about doing artworks related to that. I’ve recorded some sound walks, usually in the rain, but I haven’t done anything really thorough, it was just a pastime. Last month, I made a short video while I was walking and the result is quite strange. I recorded the video with an iPod Touch using an app called 8mm. As the iPod camera is not very good and the original frame rate of the video was just 15 fps, the result is quite interesting, almost like an abstract pattern.

Now I’m thinking about doing something with more videos of this kind, the title will be Solvitur ambulando, a latin phrase that means “it is solved by walking”.

The Sound Screen (o sobre cómo a veces terminas haciendo las cosas por los caminos más insospechados)

Siempre he tenido en la cabeza hacer un podcast o similar basado en bandas sonoras de películas, y con banda sonora no me refiero a música, sino a todo el conjunto sonoro. No obstante, nunca he llegado muy lejos porque es un trabajo lento y complicado (admito que soy muy vaga), y además no tengo mucha maña, ni conocimientos, para editar sonido. Tras procrastinar el asunto una y otra vez, esta semana ha terminado tomando forma bajo el título The Sound Screen de una manera un poco laberíntica.

De vez en cuando, aparecen entes que de repente me fascinan profundamente, tanto que tengo que hacer algo con ellos, lo que sea. Ese ‘lo que sea’ suele adquirir forma sonora, no tengo muy claro por qué, ya que en realidad de lo que yo sé, lo que he hecho siempre, es cine/vídeo, no sonido. Sospecho que esta necesidad incongruente de llevar lo que me fascina hacia el terreno de lo sonoro tiene que ver con lo que soy y lo que deseo. El cine es algo que tengo dentro prácticamente desde que nací, algo tan asumido, tan interiorizado, que solo puedo verlo como lo que soy, mientras que el sonido es la otra cara de la moneda, el yin del yang, lo que me hipnotiza porque es el otro, lo que me completa.

Volviendo al tema que nos ocupa… Este podcast, o serie de piezas sonoras o lo que vaya a ser finalmente, era una entelequia hasta que hace unas semanas apareció uno de esos entes fascinantes viendo All That Heaven Allows. El ente en cuestión es Rock Hudson, un actor en quien nunca había pensado demasiado porque la verdad es que sus dotes interpretativas nunca fueron cosa del otro jueves. Es uno de esos actores inexpresivos incapaces de resultar creíbles en según qué papel, pero cuando esa impasibilidad está bien llevada, como en All That Heaven Allows, resulta mucho más atractiva que cualquier aspaviento, que por otro lado es algo que no soporto… ¿Muecas? ¿Sobreactuaciones? No, gracias.

Aquí he de hacer un inciso para confesar que siempre he sido muy esteta. No soporto la estética vacía, eso sí, la forma sin contenido, pero siempre me han fascinado cineastas muy estetas, desde Peter Greenaway a Carl Theodor Dreyer o Nicolas Winding Refn. Douglas Sirk es uno de esos estetas, y en All That Heaven Allows lo lleva quizás más lejos que en ninguna otra de sus películas.

All That Heaven Allows es pura belleza visual, y lo más visualmente hermoso es ese personaje masculino sencillo, directo, abierto y ajeno al mundo capitalista. Rock Hudson/Ron Kirby es el sonido de fondo que se cuela en la banda sonora anodina de los Estados Unidos más bucólicos de los años 50, el ruido desestabilizador que interrumpe la nada cotidiana. La gran contradicción es que es un ruido mucho más hermoso que el sonido impecable en el que interfiere. Y no es solo hermoso por la pureza que destila, obviamente, hay una cuestión de atractivo físico que está muy patente en toda la película.

No obstante, la primera pieza de The Sound Screen no sale de esta película, sino de dos comedias románticas que recuperé al hilo de ella (las había visto de pequeña y no las recordaba mucho): Pillow Talk y Lover Come Back. En All That Heaven Allows, aunque Hudson es visto por algunos personajes como un puro objeto de deseo, no funciona esencialmente en ese sentido, mientras que en Pillow Talk y Lover Come Back sí se ciñe básicamente a eso.

Precisamente durante los días en los que vi estas películas, una de las palabras del día de Oxford Dictionaries Online fue droolworthy, que significa ‘extremadamente atractivo o deseable’, aunque literalmente se podría traducir como ‘digno de que se te caiga la baba’. La palabra me hizo gracia, y me remitió inmediatamente a Hudson en las dos comedias mencionadas, porque al verlas queda muy claro que está ahí simplemente como señor rematadamente atractivo por el que pierden la baba todas las señoras.

Teniendo ya un ente de fascinación y un título, estaba claro que tenía que hacer algo con eso. La verdad es que lo primero que salió de todo el asunto fue una imagen que surgió de casualidad al hacer un data bending con una foto de Hudson. La imagen no está retocada, quedó así tal cual al abrir el archivo; con la boca, la oreja y el cigarro. La oreja fue la señal definitiva, tenía que empezar ya mi serie sonora sobre películas.

Lo primero que probé fue a convertir la imagen en sonido, que viene a ser lo que hago siempre debido a mis reducidas aptitudes musicales. Como era de esperar, salió un ruido insoportable que, además de ser la cosa menos droolworthy posible, no tenía nada que ver con el concepto, que era el deseo sexual femenino.

Pensando en sonidos droolworthy, en lo sublime e irreal, decidí que tenía que ser un drone, y de alguna manera me las apañé para generar un drone (quasiarmónico, como me dijo alguien) a partir de un fragmento de Pillow Talk. Para mí ese drone era algo onírico y etéreo, el sonido de una construcción quimérica que no tiene lugar en la realidad, solo en el objeto de deseo imaginado, o generado, a través del universo ficticio del cine, o quizás de la psique femenina (e incluso gay, no olvidemos que en las dos películas hay subtexto en ese sentido).

El drone se termina, como todos los sueños, con un corte repentino a la realidad. Nos despertamos de nuestra utopía del deseo con Doris Day diciendo: «Oh, he tenido un sueño maravilloso». Curiosamente, en la película dice esto al despertarse medio desnuda, en la cama, con su objeto de deseo, tras una noche de ‘borrachera blackout’ que termina en el primer polvo. Todo sugerido, pero no mostrado, que esto es una comedia romántica ‘amable’ de 1961…

El resultado de esta primera pieza de The Sound Screen tiene muy poco que ver con la estética típica del remix sonoro, que en principio era lo que pretendía hacer con las películas, pero es que nunca se me ha dado bien hacer lo que se supone que debería hacer… De todas formas, para la segunda pieza sí estoy intentando hacer algo que se acerca al remix al uso, en este caso a partir de Bronson, que es una película que me fascina, de un director que me fascina y con un actor que me fascina. Just fascination, just fascination, just private fascination

Hinterland 2

[First post about Hinterland] I have 3.669 photos of my desk and I’m gonna stop here. 3.669 images are 2:26 minutos of video —usually animations are made using 12 images per second, but I always use 25, one per frame (I work in PAL).

I’ve already edited all those images and I have a first video, now I’m working on the titles and thinking about the sound. My first idea about the sound was using a recording of an old 16mm projector, but now I think that maybe it’s better idea to record the sound from the app 8mm, because the initial concept was making ‘fake cinema’ with digital gadgets.

UPDATE: Finally I’ve decided that I’m not gonna use the sound from the app 8mm, the loop is too short and obvious. I’ve been searching and I’ve chosen a recording of a 16mm projector that I’ve found at freesound by someone named al_sub. Anyway, I’ve used 8mm to create the titles, recording the computer screen.