Gerald McBoing-Boing, the boy who speaks through sound effects

Gerald McBoing-Boing (1950) is an animated short film about a boy, Gerald McCloy, who speaks through sound effects. The film is based on an audio story by Dr. Seuss originally published as a record for children.

The film was created for cinemas, moving away from the realistic animation style popularised by Walt Disney. The main concept was that cartoons don’t have to obey the rules of the real world. This, besides being original, reduced costs, because they didn’t need realistic drawings, but something more creative and expressive.

The animation studio behind Gerald McBoing-Boing was United Productions of America (UPA). The UPA had been founded after a strike by Disney workers in 1941. During its years of existence, which spanned the 1940s to the 1970s, its biggest success was Mr. Magoo.

As I said before, Gerald McBoing-Boing’s plot focuses on Gerald McCloy, a 2-year-old boy that, when he begins to speak, uses sound effects rather than words. The first thing that comes out of his mouth is “boing boing”, the sound of a spring bouncing.

Doctors can’t find a solution, and the other children make fun of him, leading his family to despair. Then a radio talent scout discovers Gerald and hires him as a foley artist—the person who creates sound effects for film and radio.

The short was so successful, even winning an Oscar, that the UPA produced three sequels. Years later, in 2005, Cartoon Network launched a cartoon TV show based on the same characters. In this show, Gerald still speaks through sound effects, but he has two friends that use standard words.

Some notes about the production

Gerald McBoing-Boing’s creator, Bobe Cannon, and its designer, Bill Hurtz, wanted to create a minimalist cartoon with little dialogue. For the original film, first, they sketched the actions. Then, they composed the soundtrack and they animated all the actions using the sound as a guide. Finally, they added flat and flashy colours.

The style is far from the realism of other cartoons of the time. The backgrounds have only a few lines, some of them are almost abstract. These drawings are influenced by modern painters like Picasso and Matisse. The composition uses forced perspectives and extreme angles, achieving striking shots reminiscent of German expressionist cinema.

Cannon had started his career working with well-known characters, such as Bugs Bunny and Daffy Duck. He was one of the founders of the UPA and vice president of the studio from 1949 to 1957, a job that he combined with collaborations with Disney and Tex Avery.

Cannon loved ballet and he saw cartoons as a form of dance. When he designed his films, he thought of animation as if it were choreography. Maybe that’s where the idea of creating a character who expresses himself through sounds, rather than words, came from.

D_FragTV tapestry

D_fragTV

Some weeks ago, I met Celeste Araújo (one of the programmers of the Xcèntric‘s programme of experimental film). She told me that once she had made a tapestry from one of my works (D_FragTV) and I really flip out! I asked her if she could send me a photo of her tapestry and here it is.

D_fragTV_tapiz

This is so nice that I don’t know want to say, so I’ll just say a big THANK YOU!!!

So sublime, hand me a cigarette and a towel

It’s that time of the year in which everybody writes best-of-the-year lists, all I have to say this year is this, paraphrasing Matt Zoller Seitz:

“Other series were more comprehensible, and nearly all were less gore-soaked, but none was as consistently innovative and sublime … This visionary drama evoked German Expressionist cinema, glossy-pretentious art-house pictures … super-sexy fan fiction, and even experimental film. … The climactic showdown … was the most orgiastic display of choreography, music, lighting, and gore … [its creator] might as well have reached through the screen and handed viewers a cigarette and a towel.”

Guess what he’s talking about.

The 10 Best TV Shows of 2015,” Matt Zoller Seitz, Vulture.

I love flashing lights warnings from films and TV shows

Warning: This film contains flashing images and stroboscopic sequences

This one is from A Field in England by Ben Wheatley. I remade the original intertitle that I had because it was a bit small for a HD video.

Due to Violent Content, and Flashing Lights with Strobe Effects, Viewer Discretion Advised

This one is from Hannibal, my favourite TV series ever (it’s from “Takiawase”, season 2 episode 4). The DVD doesn’t include this warning at the beginning of the episode, but it was there when it was broadcasted on TV.

Television is always contaminated with life

“Viewers watch TV while reading, writing, cleaning, cooking, eating, drinking, talking on the telephone, interacting verbally and physically with friends, family, and lovers—this in distinction to moviegoing which, to a large extent, retains a special event status, framed off from the activities of the daily routine. In other words, television reception is much more than just ‘watching television’; it’s messy, impure, contaminated with non-television.”

“Television Reception,” Journal of Film and Video 37, no. 3 (1985), Dennis Giles.

What we see is dictated by what we hear

“What we see is dictated by what we hear. You can verify this by a simple experiment. Turn off the sound track on your television set and use an arbitrary recorded sound track from your tape recorder: street sounds . . music . . conversation. . recordings of other TV programs, radio et cetera. You will find that the arbitrary sound track seems to be appropriate . . people running for a bus in Piccadilly with a sound track of machine-gun fire looks like 1917 Petrograd. You can extend the experiment by using material that is more or less appropriate to the image track. For example take a political speech on TV shut off sound track and substitute another speech you have prerecorded . . hardly tell the difference . . isn’t much . . Record the sound track of one Danger Man spy program and substitute for another . . Try it on your friends and see if they can’t tell the difference.”

The Ticket That Exploded, William S. Burroughs.

Metrópolis: El cine revelado

Ya está publicado en la página web de rtve el programa especial sobre El cine revelado (o rebelado, como más os guste), un ciclo organizado por Playtime Audiovisuales y Abraham Rivera en el que participé en marzo. Yo salgo a partir del minuto 23:34, pero os animo a verlo entero, claro.

«La última sesión, This is not cinema, de la mano de Blanca Rego, es una arriesgada propuesta que plantea una revisión del cine estructuralista de los años 70. Siguiendo la moda nostálgica de imitar en muchos aspectos la estética de estos años (en fotografía, moda, diseño… ), Blanca Rego plantea una revisión de esta estética desde el cine, imitando los formatos 16mm y Super8 a partir de aplicaciones que existen hoy en día en el mercado. De alguna manera es una propuesta experimental que pretende evidenciar esa eterna lucha entre los formatos, la constante imitación de lo analógico a partir de lo digital, el valor de la imagen frente al sonido y las diferencias entre cine y video».

Metrópolis: El cine revelado

Seventeen nukes and a microphone

Hace unos días vi un episodio de Last Resort (una serie estadounidense sobre un submarino nuclear que se niega a cumplir con la orden de bombardear Pakistán) en el que en un momento dado alguien dice: «You’re your own country. Seventeen nukes and a microphone, what more do you need?».

Ah, es que 17 torpedos nucleares no son nada sin el poder de un micrófono. Como decía Ivan Illich en El silencio es un bien comunal, «al menos que tengamos acceso a un altavoz, estamos silenciados».

Last Resort, temporada 1 episodio 9.

How I Met Your Mother

De las telecomedias americanas de los últimos años, no hay ninguna que haya visto tantas veces como How I Met Your Mother. Cuando menciono mi amor por esta serie, me suelo encontrar con dos tipos de respuestas opuestas: quienes la han seguido y saben de qué estoy hablando, y quienes no la han visto jamás (o han visto algún episodio suelto en castellano) y la tienen por una especie de subproducto a la estela de Friends. He de decir que, hasta hace tres o cuatro años, yo me encontraba en esa segunda categoría, craso error.

Personalmente, había visto uno o dos episodios sueltos de How I Met Your Mother —o mejor dicho Cómo conocí a vuestra madre, ya que los vi doblados— pillados de casualidad haciendo zapping en casa de mis padres. De entrada, era una telecomedia de tantas, sin mucha gracia ni demasiada enjundia. El caso es que tengo la costumbre de comer viendo series y no tengo televisión desde hace tiempo, así que en algún momento que no tenía gran cosa que ver se me ocurrió darle una oportunidad y empecé a verla desde el principio, en versión original.

Aunque los primeros episodios no son especialmente brillantes y el planteamiento inicial es el típico de cientos de telecomedias: chico conoce chica y hay algo que los ‘separa’, hay ya de entrada algo que la aleja del producto medio televisivo, y es una inversión de papeles. La mujer romántica soltera al borde de los 30 obsesionada por encontrar marido es él (Ted), mientras que el hombre desenfadado que se niega a comprometerse es ella (Robin). No obstante, esto de por sí no es especialmente interesante, ya que, a pesar de invertir los papeles genéricos, sigue jugando con la misma historia de siempre. Sin embargo, tras ver los cuatro episodios siguientes más por inercia que por verdadero interés, llegó Ok Awesome, el episodio que para mí marcó un antes y un después.

En Ok Awesome, Robin conoce de casualidad al dueño de Ok, el club de moda en Nueva York, y la pone en lista para entrar esa noche. Robin invita a sus amigos, los otros cuatro protagonistas de la serie: Ted, Barney, Lily y Marshall. Ted y Barney aceptan la invitación, pero Lily y Marshall tienen otros planes.

Aquí debo hacer un inciso para explicar que Lily y Marshall son una pareja más cerca de los 30 que de los 20 que acaba de decidir casarse, por lo que Lily está preocupada con el tema de pasar de la postadolescencia a la edad adulta. Al principio del episodio, Lily tiene una conversación con una compañera de trabajo de su edad que le explica el fantástico fin de semana que ha pasado con su marido en un hotelito romántico, mientras ella lo único que ha hecho es salir y beber hasta prácticamente caer redonda. Lily se siente avergonzada, cree que ya es hora de dejar de hacer ciertas cosas, por lo que convence a Marshall de dejar de salir, beber, etc. y optar por un estilo de vida más maduro.

Robin, Ted y Barney se van al club y Lily y Marshall se quedan en casa cenando con dos parejas de lo más aburrido que solo hablan de vinos, quesos, niños, hipotecas y Norah Jones. Por un lado, tenemos lo que ‘estás haciendo y se supone que no deberías hacer’: el techno, el ligoteo, el alcohol… y por otro ‘esto es lo que deberías ser/hacer’. En un momento dado, Marshall no soporta más la cena, la vida ‘adulta’, y se escapa al club sin que lo vea nadie saltando por la ventana del cuarto de baño.

Tras una serie de escenas que muestran de manera bastante sencilla y clara lo que es una noche en un club (tanto lo bueno como lo malo), Marshall termina tomando éxtasis (no se dice explícitamente, no olvidemos que esto es una telecomedia americana para todos los públicos). Mientras, Lily descubre que Marshall se ha escapado y se va furiosa a buscarlo a la discoteca. Cuando finalmente lo encuentra, Marshall está bailando como un loco en el medio de la pista, y aquí llega el punto de inflexión. En lugar de suceder lo de siempre, lo que todos prevemos en una serie de este tipo (bronca con tres chistes malos y moraleja de tres al cuarto), Lily y Marshall se miran, se sonríen y sin mediar palabra se dan el lote en medio de la pista de baile.

He ahí mi What the fuck? (me encanta esta expresión, y aquí la digo como sorpresa positiva) personal con How I Met Your Mother. Resulta que no solo hay un personaje que se droga sin ningún tipo de consecuencia negativa, algo ya de por sí bastante inaudito en una serie de televisión, sino que la conclusión, dicha incluso en un momento en boca de Robin con otras palabras, es que ser adulto no es ‘madurar’ para hacer lo que se espera de ti, es ser libre de hacer lo que te venga en gana.

Después de este episodio, me tragué las cuatro o cinco temporadas que había en aquel momento compulsivamente y descubrí todo lo que hace que How I Met Your Mother no sea un subproducto de Friends, sino algo que la supera con creces en todos los frentes, desde su estructura fragmentaria y sus juegos con la memoria (toda la serie es un flashback) hasta su falta de prejuicios y moralejas al enfrentarse a ciertos temas.

Evidentemente, es una serie para todos los públicos que no se puede permitir ser explícita, pero ser explícito no es ninguna garantía de que lo que estás haciendo sea mejor o peor, se me ocurren muchos ejemplos de series americanas con dosis de violencia y sexo bastante altas que transmiten ideas más propias de la edad de piedra que del siglo XXI.

La primera temporada de How I Met Your Mother está lejos del nivel de algunas de las siguientes. Por otro lado, es una serie irregular, hay episodios soberbios y otros que simplemente se dejan ver, pero no creo que haya ninguna serie que haya durado ocho temporadas que pueda presumir de ser perfecta, al fin y al cabo, nadie es guapo y listo los siete días de la semana… Quizás es una serie que en ciertos aspectos, aunque solo sea por su nivel de audiencia, entraría dentro del mainstream, pero en cualquier caso sería la serie mainstream donde el house mola más que Norah Jones, donde la mujer perfecta toca el bajo como Kim Gordon y donde Moby es un mero hipster calvo bajito de quien nadie se acordará dentro de 15 años.

Y otro día hablaremos de la lluvia, del tiempo, de la fragmentación, de la deconstrucción, de la percepción, de la memoria, de las slap bets, de Star Wars, de Indiana Jones, del sargento Murtaugh, de Robin Sparkles, de Sven… Y de los bocadillos, especialmente del de bistec marinado que resultó estar mezclado con alguna dr… digo, carne dura. Tic tic tic.

Is this what love feels like?

“Chemistry deals with the reactions between elementary forms of matter. Separate the elements, and you negate the reaction. (…) when some chemicals mix, they combust, and explode. (…) When some elements come together, they create a reaction that can’t be reversed. They transcend chemistry.”

Dexter, Chemistry (episode 7, season 7)

Cosas que veo

Un día de estos estaba pensando que no escribo jamás sobre lo que más hago, que es ver películas y series a cascoporro. No es algo que haga ahora, es algo que he hecho siempre. De pequeña, un año se me ocurrió ir apuntando todas las películas que veía, y a final de año la lista pasaba de 365. Ha habido épocas en las que si tenía dinero iba al cine todos los días, salía de una sesión y entraba en otra. Luego llegó Internet y ya os podéis imaginar…

Lo que me fascina no es la imagen en sí, lo tengo claro porque jamás me han interesado demasiado ni la fotografía ni el diseño gráfico, por nombrar otras dos disciplinas visuales. Tampoco es algo que tenga que ver con la imagen al servicio de la narración, nunca me han llamado mucho los cómics, por ejemplo, y me engancha tanto el cine narrativo convencional como el cine abstracto y experimental. También tengo claro que no está relacionado con el registro, la documentación de lo ‘real’ o ‘ficticio’, porque nunca me ha atraído el cine documental. En cualquier caso, está claro que hay algo ahí que me captura poderosamente.

Me enamoro de géneros, estéticas, actores, directores, personajes, épocas, temas… Este año empezó enamorándome de Sherlock, Steven Moffat, Irene Adler y Benedict Cumberbatch; luego me enamoré de Drive, de Ryan Gosling por tercera o cuarta vez, de Nicolas Winding Refn; de las persecuciones de coches; de Bronson y Tom Hardy; de Norman McLaren, como todos los años; de Robin Hood, Errol Flynn y las películas de piratas; de películas que he visto docenas de veces, como Dracula, My Own Private Idaho, Singin’ in the Rain, Thanatopsis, The Pillow Book o Forgetting Sarah Marshall; de Jason Segel; de How I Met Your Mother otro año más; de Komposition in blau; de las comedias americanas de instituto/universidad; de Hitchcock otra vez; de Ub Iwerks; de Indiana Jones otra vez; de Kick-Ass; de Don Ritter; de mis queridos Aki Kaurismäki, Guy Sherwin y Guy Maddin; de The Day of the Locust; de Chuck Jones; de The Driver; de Game of Thrones; de To Live and Die in L.A.; de Scott Fitzpatrick; de An American Werewolf in London; de Black Mirror; de Oona Chaplin; de Mila Kunis; de Tipping the Velvet; de las series de la de la BBC, Channel 4 y Sky; del vídeoclip de Oliver Brand para el tema de Senking V8; de…

Hoy me he enamorado de Hit & Miss, de su creador, de su guionista, de sus directoras, de su director de fotografía; de los campos de Manchester, de esos cuatro niños, de los asesinos a sueldo transexuales, de… y de… y sobre todo de Chloë Sevigny una vez más y de Jonas Armstrong por primera vez.

Hoy me prometo a mí misma ver con más tranquilidad y escribir más sobre lo que veo, o sobre lo que amo.